La Pintura y Biografia de Pablo Ruiz Picasso

La Pintura y Biografia de Pablo Ruiz Picasso

La Pintura y Biografia de Pablo Ruiz Picasso
Artista español
Uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Obras: Guernica, Las señoritas de Avignon...
Género: Pintura, dibujo, escultura, cerámica
Partido político: Partido Comunista Francés
Distinciones: Premio Lenin de la Paz 1962
Padres: José Ruiz Blasco y María Picasso López
Cónyuges: Olga Khokhlova 1918-1955, Jacqueline Roque 1961-1973

Pablo Picasso nació el 25 de octubre de 1881, en el número 36 de la Plaza de Riego de Málaga.
Según su certificado de nacimiento se llamó Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.
Hijo primogénito del matrimonio formado por José Ruiz Blasco, profesor de la Escuela de Bellas Artes de esta capital, y María Picasso López. Tuvo dos hermanas, Dolores 1884-1958 y Concepción 1887-1895.

Su padre se encargará de iniciarle en el dibujo y la pintura. En septiembre de 1891, José Ruiz Blasco accede a una plaza de profesor en la Escuela de Bellas Artes de La Coruña llevándose a toda la familia con él. Picasso será admitido en esta escuela un año después.
Hasta el año 1898 utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus trabajos, pero desde 1901 firmó solo con el apellido de la madre.
Con 10 años realiza sus primeras pinturas y a los 15, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Consiguió el ingreso presentando el lienzo Ciencia y caridad 1897, Museo Picasso, Barcelona.

En 1904 se estableció en París. La obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, ejercieron una gran influencia sobre él. En sus pinturas de esa época reflejará la miseria humana, mendigos, alcohólicos y prostitutas.
Conoció a su primera compañera, Fernande Olivier y con esta relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, creando obras como Familia de acróbatas 1905, National Gallery, Washington.

Trabó amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los estadounidenses Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

En 1906, durante una estancia en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein 1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York trata el rostro en forma de máscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon 1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York, que no fue entendida, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento.

Influenciados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos", imponiéndose así el término cubismo. La monocromía prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos del artista fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, se destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler 1910, Art Institute, Chicago.

En el año 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja Museo Picasso, París, combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. 
Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín Museo de Arte Moderno es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard Metropolitan Museum of Art, está realizado en estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Obra de su llamado periodo clásico 1921-1925, anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917

El busto de bronce de Fernande Olivier también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno muestra la técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. En el Vaso de ajenjo 1914, Museo de Arte Moderno una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción de un terrón de azúcar; donde tal vez se muestre el ejemplo más interesante de escultura policromada cubista que realizara.

Durante la I Guerra Mundial, se trasladó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Allí conoció a la bailarina Olga Koklova, con la que contrajo matrimonio. Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París.

Trabajó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente 1921, Museo de Arte Moderno y obras inspiradas en la mitología como Las flautas de pan 1923, Museo Picasso, París. Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas.

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Pintada en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo 1932, Museo de Arte Moderno.

En el año 1935 llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, donde mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. En 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural.

 Dos meses de trabajo duró la obra, que se expuso en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. El Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España.

El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así se aprecia, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey 1942, Kunstsammlung Nordrhein-Wesfalen, Düsseldorf y en El osario 1945, Museo de Arte Moderno. Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961.

Muchos de los últimos cuadros están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot.
Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero 1944, Museo de Arte de Filadelfia, un bronce a tamaño natural y La cabra 1950, Museo de Arte Moderno, también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago.

En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas. Continúa realizado grabados y dibujos, algunos expuestos en la Galería Leiris de París.
En octubre, en conmemoración de su noventa cumpleaños, el Musée National d'Art Moderne de París organiza una gran exposición con obras de Picasso de los Museos Hermitage y Pushkin de Rusia. El 1 de junio de 1972 realiza su última pintura "Embrace".

 Su último dibujo, "Figuras reclinándose", lo realiza el 5 de noviembre. En enero de 1973, la Galería Louise Leiris expone 156 estampas realizadas en los dos años precedentes.
El día 8 de abril, Pablo Picasso falleció en Notre Dame de Vie, Mougins a causa de un edema pulmonar e insuficiencia cardíaca. Dos días más tarde se le enterró en el castillo de Vauvenargues.

Obras seleccionadas
Arlequín
Autorretrato
Azoteas de Barcelona
Bañista en la cabina
Bañista sentada a orillas del mar
Bodegón
Cabeza de mujer
Carnet des Métamorphoses
Desamparados
Desnudo, hojas verdes y busto
El abrazo

El beso
El diván
El loco
El mas del Quiquet
El gran bogavante rojo
El pintor y su modelo
El rapto de las sabinas
El sueño
Escena de corrida con pescado
Escena erótica
El taller de la California

Garçon à la pipe
Guernica
Hombre con boina
Hombre sentado
Joven dormida
La bahía de Cannes
La Cuisine
La espera
La Femme aux bras écartés
La joie de vivre Pastorale
La lectura
La Minotauromaquia
La mujer en el jardín
La mujer de la cofia
La mujer que llora
Las señoritas de Avignon

La paloma de la paz
Le pigeon aux petits pois
Masacre en Corea
La danza
Las Meninas
Las modistas
Masacre en Corea
Mujer con sombrero y cuello de piel
Naturaleza muerta con porrón
Mujer embarazada
Mujer sentada
Pablo de pierrot
Paisaje montañoso
Pêche de nuit à Antibes
Pintor trabajando

Poeta decadente
Retrato de Jaume Sabartés con gorguera y sombrero
Retrato de la madre del artista
Retrato de la señora Canals
Retrato de la tía Pepa

Retrato del escritor Ramon Reventós
Retrato del padre del artista
Séquence de femmes au chapeau
Sueños y mentiras de Franco
Suite Vollard

La Pintura y Biografía de

Pablo Ruiz Picasso

Academicismo, expresionismo, cubismo, modernismo.

Nacido en Málaga, pintó su primer cuadro a la edad de 8 años: "El picador amarillo". Pronto mostró una habilidad impresionante para su edad, era capaz de pintar gran cantidad de figuras ciñéndose con naturalidad a las normas más conservadoras de la composición académica.
El estilo de Picasso no puede ser encuadrado en una lista finita, ya que no solo fue un gran aporte para los principales movimientos modernistas europeos, sino que ciertas vertientes se le atribuyen sólo a él  protocubismo, periodo azul y el minotauro.

El éxito de Picasso es un crisol de muchos factores: su genialidad, las escuelas donde estudió Barcelona y París principalmente, su interés por lo social, su amistad con artistas y marchantes, su producción prolífica de cuadros, la mentalidad innovadora y su liderazgo. Si bien al final de su carrera tendía a pintar figuras cada vez más simples, rozando lo abstracto, su autoridad como artista era incuestionable, especialmente por su bagaje en obras de gran factura. Picasso se ganó el derecho a romper las reglas, ya que logró dominarlas a la perfección.

Hablar de Picasso se ha convertido en un cliché: siempre existe el clásico snob que quiere impresionar a los demás en una conversación sobre cómo el cubismo es una aportación exclusiva de este artista español, y de cómo no hay algo más sublime que su producción pictórica. Pero también están aquellos que aseguran que un niño pudo haber pintado algo mejor  es más, defienden que los dibujos del pequeño serían notablemente superiores, que son garabatos, y que ninguna de sus pinturas puede considerarse arte.

Sin embargo, es curioso que la producción artística de Picasso causara reacciones muy similares cuando apenas salió a la luz, en un mundo devastado por las guerras, la censura y la incertidumbre del rumbo que la humanidad pudiera seguir. Desde entonces, ya han pasado más de 100 años y el impacto inicial suele ser el mismo. A pesar de que todo esto es cierto, Picasso no es sólo cubismo: abarca un espectro más amplio del que por lo general se le atribuye, y es por esto que te presentamos algunos de los periodos indispensables que necesitas saber para de verdad conocer la obra de Picasso.

Época azul 1901  1904
Después de salir de la Academia de las Artes en Madrid Picasso decidió irse un tiempo a Barcelona. Algo de la costa catalana impregna sus años tardíos como estudiante: el ambiente bohemio de la ciudad, la fiesta y la poesía. Todos estos factores contribuyeron a su formación como artista, en tanto que conoció en ese lugar a las nuevas corrientes que otros seguían: no se trataba más de una representación fiel de la realidad, sino de algo diferente, que sí hiciera sentido, pues el mundo al borde de la Primera Guerra Mundial no lo hacía.

Sin embargo, este tono vivaz que impregna sus primeros intentos artísticos se desmorona con la muerte de uno de sus amigos más cercanos: Carlos Casagemas. Juntos pasaban las tardes en cafés barceloneses, pero una decepción amorosa lo obligó a quitarse la vida. La noticia trajo sobre Picasso un espesor denso de espíritu, y con la partida de su amigo, una corriente azul invadió su vida, que se fundió también con las pinceladas que produciría de 1901 a 1904.
En este periodo que se denominó "Periodo" o "época azul"es más que evidente la influencia académica sobre su trabajo: las figuras se asemejan a la realidad con una cercanía muy melancólica, como es el caso de Desnudo azul 1902. Se ve a una mujer recogida sobre sí, con la espalda encorvada y descubierta: profundamente suave, profundamente entumida en tristeza. No podemos ver su rostro, pero no importa. La figura es suficiente para representar este periodo de ondas de congoja.

Época rosa 1905  1907
Después de un tiempo Picasso decide abandonar España para cambiar el susurro de la costa por aires parisinos. Es en esos años que se pone en contacto con Gertude Stein, quien sería su mentora y mecenas durante casi toda su vida; con ella se introduce a la élite intelectual de la capital, en la que conoce a Matisse, a Braque y a los otros pintores que integran la Escuela de París. 

El cambio de ambiente se ve reflejado también en su producción artística: en vez de tratar temas orgánicos ya trillados para entonces, decide representar arlequines, payasos y elementos del carnaval. Cualquier cosa que remitiera a la vida escandalosa de la ciudad servía como motivo para plasmar en el lienzo, ahora con tonos más agresivos de rojo, azul y negro; sin embargo, no dejó de lado el peso fundamental de la representación de la piel que sus años en Barcelona le habían heredado; por el contrario, siguió representando a madres que amamantaban, campesinos desnudos y demás escenas en las que la piel era el elemento central.

Cubismo analítico 1908 1910
La cercanía con la vanguardia parisina lo obligó a expandir sus horizontes creativos a niveles superiores de abstracción. En estos años Picasso se interesó mucho por las culturas tribales de África y Oceanía en sus máscaras y pinturas corporales, por la expresividad que transmitían sus formas rígidas. La influencia que estas manifestaciones tan primigenias tuvieron en él fueron fundamentales para la creación de su propuesta artística, la que hoy es uno de los pilares que sostiene al arte del siglo XX.

Para 1907 Picasso pinta la que se considera en la actualidad como la obra fundacional del cubismo: Las señoritas de Aviñón. En este lienzo de gran formato se ven a detalle las influencias de las culturas africanas y oceánicas, en particular en los rostros de las prostitutas: son rígidos, son retadores ya son cubistas. El principio es el que sigue: se debe fragmentar la figura para generar una composición a partir de un volumen originalmente tridimensional, llevado ahora al plano de dos dimensiones.

Cubismo sintético 1911 1913
Tras algunos años de experimentación, Picasso logra condensar su propuesta artística y explorar sus límites junto con Georges Braque, otro de los exponentes más célebres del movimiento. Es entonces que proponen una técnica alternativa: el papie collé, que podría entenderse como un antecedente del collage. La idea era expandir el espectro sensitivo del lienzo al pegarle papel periódico o aserrín, de manera que las texturas se volvieran más reales, más fáciles a los sentidos.

Picasso buscaba incursionar en la experiencia del espectador desde otro nivel: intentar ilusiones ópticas, figuras que salieran casi literalmente del lienzo, texturas sensibles al tacto, para así alcanzar experiencias estéticas más profundas y duraderas.

Producción surrealista 1920
La confusión, la duda, la impotencia generadas durante este tiempo de oscuridad estalló en el rompimiento con la realidad tangible en el arte, y permitió que las mentes creativas de la época divergieran de la representación fiel del mundo para buscar horizontes que pudieran hacerles más sentido: el mundo estaba destrozado, y no había un camino seguro que la realidad ofreciera. Así, resulta casi natural que se encontrara un punto de paz más allá del mundo tangible. En este espíritu nace el surrealismo, y Picasso no tarda en dejarse influir por esta corriente también, pero sin dejar su trazo cubista todavía.

Compromiso político 1930 en adelante
Picasso estaba convencido de que el arte debía tener un compromiso político, en tanto que existe para impactar a la gente de alguna manera. Es por esto que tuvo que vivir muchos años en el exilio, sobre todo durante la Guerra Civil Española: su postura era radicalmente en contra del franquismo, y se ganó el odio de muchos adeptos al Generalísimo por su discurso izquierdista. Es en esta época que pinta minotauros, escenas de tauromaquia y de muerte en general.

Toda la tensión acumulada en la obra de Picasso durante estos años explota con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, luego de los ataques a la ciudad vasca de Guernica. La masacre cometida a personas inocentes reafirmó una vez más su postura en contra de los movimientos armados de Hitler, y en 1937 pinta uno de los cuadros más emblemáticos de toda la Historia del Arte, que tituló Guernica; nada más fue necesario.

La Pintura de Pablo Ruiz Picasso